YO VISTO ASÍ

Analizando YO VISTO ASÍ de BAD BUNNY: ¿Hay SIGNIFICADOS ocultos?

Para entender el significado del nuevo videoclip de Bad Bunny “YO VISTO ASÍ”, hay que entender cuál es la línea narrativa de su nuevo álbum “EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO”. Por las pistas que ha ido dejando, parece ser que el antiguo Bad Bunny, al que estamos acostumbrados a escuchar, se va a retirar de la música, va a desaparecer para dar paso al nuevo Bad Bunny. Un nuevo Bad Bunny que va a experimentar con la música, no solo se va a centrar en el reggaetón, sino que va a indagar en otros estilos musicales. De hecho, en este nuevo álbum se pueden escuchar ritmos, instrumentos e influencias más punk/rock, tal y como sucede en “YO VISTO ASÍ”.

ANÁLISIS

En el primer plano del video musical se observa el título y el nombre del artista en una tipografía concreta. Esta misma se va a usar en todas las miniaturas de los visualizers del resto de canciones.

Al fondo aparece un camión que se va acercando a la cámara. Un camión que  ha estado presente en el vídeo promocional que Benito subió a Instagram, en la portada del disco y en los visualizers de las canciones porque tiene relación con el nombre del álbum.

 

Según dijo Bad Bunny en una entrevista en The Tonight Show el uso del truck es porque “como es el último tour del mundo, soy yo, alrededor del mundo atravesándolo con ese camión. Mi padre, mis abuelos, mis tíos conducen camiones, así que es algo de mi familia”. Es decir, es un reconocimiento a su familia.

 

La siguiente imagen es de un monopatín. La acción ahora se traslada a un parque de skate, siendo esta una “clara referencia a las bandas de punk/rock de principios de los 2000”. Uno de los skaters se sube al monopatín y se observan varios planos de las zapatillas Adidas, ya que el videoclip es una colaboración con esta marca. Esto se puede afirmar cuando Bad Bunny dice: “Boté todas las Nike, firmé con Adidas”.

La canción empieza diciendo: “Yo visto así, no me voy a cambiar” y aparece Bad Bunny vestido de esta forma para reivindicar que cada uno puede vestirse como quiera y que nadie debe juzgarte por ello.

 

Intenta romper con los roles de género que suelen estar presentes a la hora de vestir, por ello, aparece vestido con una falda. Y es que no es la primera vez que el artista hace esta reivindicación. Ya lo hizo previamente en el programa de Jimmy Fallon durante la presentación de “Ignorantes” y en el videoclip de “Yo perreo sola”.

Este es el estilo que va a seguir el nuevo Bad Bunny, alejándose de cómo solía vestirse durante la época de su disco “X 100pre”.

Además, a lo largo del video oficial hay varias referencias hacia su anterior disco “Yo Hago lo que me da la gana” (YHLQMDLG), en este caso en la pista de skate.

A continuación, aparece el famoso “tercer ojo” de Bad Bunny “por el que puede ver todo”. Tal y como explicó en una entrevista en los American Music Awards de 2018 “hace referencia a un ojo que proporciona una percepción y visión que va mucho más allá de lo evidente”. Poseer un tercer ojo es muy importante en la cultura hindú ya que “al estar ubicado cerca de la mitad de la frente, antiguamente se creía que era una forma más que perfecta para conectar lo físico con lo espiritual”. Precisamente el dibujo de este ojo es la ilustración protagonista de su disco “X 100pre”. 

Sigue con: “Mi valor no se basa en cómo yo me vista, tú criticando y yo en portada de revista”. Ahora el artista está en una sesión fotográfica para hacerse las fotos de esa portada de revista. Recordemos que este año la imagen de Bad Bunny ha sido portada en medios como Rolling Stone o Playboy.

En esta sesión aparecen varias personalidades: cantantes, actores, modelos, boxeadores e incluso el hermano del cantante, cada uno vestido de una manera diferente, reivindicando la diversidad. Durante esta letra: “Yo visto así, no me voy a cambiar, si no te gusta no tienes que mirar” aparecen Ricky Martín, Sofía Vergara, Ruby Rose, Ryan García, Sech y Karol G, entre otros.

Para Bad Bunny la ropa es algo universal, tu profesión no determina cómo te tienes que vestir sino tu personalidad y tus gustos, por eso dice que “si fuera bombero se vestiría de policía”. Además, añade: “Y le prendiera fuego al que criticaba si repetía”. Justo cuando dice la palabra “fuego” aparecen 4 llamaradas de fuego a sus espaldas. 

En este caso no repite falda, sino que ahora lleva un pantalón. En cambio, sigue llevando la misma sudadera que en el look del inicio porque si él quiere la usa mil veces (tal y como dice en la letra “Y si yo quiero la uso mil veces”).

Y ya para terminar, la última referencia a “Yo Hago Lo Que Me Da La Gana” es el cartel luminoso amarillo situado en el estadio de fútbol americano y el símbolo de la calavera que se adjunta en sus videoclips en la parte inferior derecha, que además tiene el tercer ojo.

CONCLUSIÓN

Después de este análisis se puede concluir diciendo que Bad Bunny se ha reinventado en “EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO” con el uso de sonidos diferentes a los habituales. Es un nuevo Bad Bunny, pero no se olvida de sus anteriores discos ni de los elementos que le caracterizan como la calavera y el tercer ojo. Por eso, los introduce en este videoclip, en esta nueva etapa musical mediante diversas referencias visuales e incluye algunas nuevas como el camión. Además reivindica firmemente que no existe género a la hora de vestir y que no  debe importar lo que otros piensen de tu estilo.

EUPHORIA

Analizando los MOVIMIENTOS de CÁMARA en EUPHORIA (T1, E1): ¿Qué SIGNIFICADOS tienen?

Euphoria se ha convertido en una de las series del momento. Con tan solo una temporada ha logrado llegar a un público muy extenso, y es que, su trama, personajes, maquillajes y cinematografía han cautivado a muchos espectadores. En esta entrada se analizará esto último, los elementos más cinematográficos, especialmente algunos de los movimientos de cámara que se emplean en el primer capítulo. He seleccionado varios momentos concretos, a modo de ejemplos, para poder analizar cómo el empleo de un movimiento concreto aporta significado a la escena.

ANÁLISIS

En primer lugar, hay que explicar que en el inicio de cada capítulo se hace una breve descripción de la vida de alguno de los personajes principales. En el episodio piloto, Rue narra cómo ha sido su vida hasta el momento actual. Esto se desarrolla con planos cortos, rápidos y con movimiento para dar dinamismo y agilidad a la trama, puesto que el espectador perdería el interés si se contara de forma más pausada.

EJEMPLO 1:

El primer ejemplo es esta escena en la que Rue y sus padres están hablando con una psicóloga. Para enfoca a la familia se emplea un travelling out, es decir, se usa un plano en MOVIMIENTO para mostrar la fragilidad y la vulnerabilidad de Rue (estas características van a estar presentes a lo largo de toda la temporada). En cambio, cuando se graba a la psicóloga se hace mediante un plano FIJO. La psicóloga está informando a los padres de las posibles enfermedades que puede tener Rue, pero lo dice de tal forma que el espectador se da cuenta de que le es indiferente. Incluso ella enumera las enfermedades como si fuera la lista de la compra, de manera muy fría, sin pensar en que sus palabras están asustando a los padres. Para generar un contraste de sentimientos y emociones, el siguiente plano es desde el punto de vista de Rue. Su madre está llorando y ella no entiende por qué, ni sabe cuál es la situación y justo en ese momento ella dice “que alguien me lo explique.”

EJEMPLO 2:

Esta secuencia empieza con un plano de las zapatillas y con un plano del pelo de Rue. Esto sirve para que el espectador empiece a reconocerla y a identificarla mediante alguno de estos elementos. En este momento Rue dice que no recuerda gran cosa entre los 8 y los 12 años, solo que el mundo iba deprisa y el cerebro despacio. Esta frase explica por qué la secuencia está grabada así. Ella parece que camina en cámara lenta (“el cerebro despacio”, debido a los efectos de la medicación) y el empujón que le dan es una acción rápida (“deprisa”) y es la que le devuelve a la realidad.

A continuación, se observa un travelling lateral de derecha a izquierda. Desde la profesora, pasando por el resto de los alumnos, hasta llegar a Rue. Esto se hace así para reforzar la atención del espectador en ella y para subrayar el ataque de ansiedad que está sufriendo. Para explicar la sensación de agobio y ansiedad que siente Rue durante estos ataques se apaga la luz de manera intermitente. La clase se queda a oscuras (menos la figura de Rue para que podamos verla) y justo cuando se termina de apagar la luz dice que sentía que se moría. A lo largo de la serie, la narración de Rue va a estar acompañada o ejemplificada con un plano, movimiento de cámara o elemento que ayude al espectador a entender por lo que está pasando el personaje. Por eso aquí la sensación de morirse se ejemplifica con apagar las luces, todo está negro.

Rue cae al suelo y se usa un movimiento de cámara hacia atrás, un travelling out. Este movimiento se usa para revelar al personaje en una situación concreta, en este caso es Rue que no puede respirar. A medida que la cámara se desplaza, el espectador empieza a tener más información del entorno y se observa que esta situación ha hecho que ella sea el centro de atención. Mientras tanto, el resto de alumnos se dedican a mirarla y grabarla. Por eso el plano siguiente es uno subjetivo de la protagonista mirando a sus compañeros. Cuando se enfoca a Rue se utiliza un plano en movimiento para generar tensión y este se acompaña con su respiración cortada, mientras que el plano de sus compañeros es fijo. Esto se hace así porque el MOVIMIENTO se asocia con la EMOCIÓN, es decir, se logra transmitir sensaciones y emociones a través del movimiento.

EJEMPLO 3:

Rue con la excusa de estar buscando tampones entra en el baño de sus padres para coger pastillas y tomárselas. Hay varios elementos importantes que componen esta escena. Primero se mira al espejo. El ESPEJO puede representar la distorsión de su personalidad, la manera en la que ella va a cambiar, ya que cada vez que se droga su visión de la realidad se distorsiona. De fondo suena la TOS de Rue. Cada vez que entra al baño a por los medicamentos ella hace que tose. Esto lo hace para ponerse a sí misma una excusa para poder medicarse. Se está engañando a sí misma y lo hace para justificar su acción. Otro elemento clave es la FOTOGRAFÍA DE SUS PADRES. Esa foto está colocada a propósito en el baño (aunque sea un lugar extraño en el que tener fotos) para que Rue se sienta culpable cada vez que consuma porque sabe que no debería hacerlo.

Además, precisamente sus padres han sido los que de manera indirecta han empujado a Rue hacia las drogas; su padre porque debido a su enfermedad siempre estaba rodeado de pastillas que estaban a su alcance, y su madre porque, como se ve en una escena anterior, es la que intentaba convencer a su hija de que se tomara las pastillas hasta tal punto que parecía estar idealizando y romantizando la medicación. Evidentemente la madre lo que quería hacer era que su hija supiera que la medicación le iba a ayudar, pero en ese afán por convencerla describe las pastillas como algo idílico, como algo bueno que todos los grandes artistas han tomado. A continuación, un vídeo en donde se ejemplifica esto último:

Por último, Rue se pone unas GAFAS DE SOL incluso dentro de casa. Esto lo hace para esconderse de sí misma y del resto de la gente, quiere “tapar” su culpabilidad. Se está poniendo una especie de máscara para ser otra persona, como para indicar que la Rue que se droga no es parte de su personalidad. Ponerse las gafas es la forma que tiene Rue de que nadie la identifique, intenta camuflarse, que nadie se dé cuenta de lo que hace.

EJEMPLO 4:

Esta secuencia empieza con un plano detalle de la droga que Rue está tomando. Por su color blanco esta se “camufla” entre los colores de una superficie que simulan el espacio. La cámara se va alejando mediante un movimiento vertical desde abajo hasta arriba y se puede ver a Rue consumiendo. La sensación de euforia que siente cada vez que toma drogas se representa con el dibujo del espacio sobre el que está colocada la droga y se ejemplifica con el movimiento ascendente que hace la cámara, es decir: droga = sensación de levitar, de antigravedad = espacio = arriba (el espacio está “encima” de nosotros) = movimiento de cámara ascendente.

A continuación, se suceden planos en los que se ve que Rue está afectada por las sustancias que consume. Se siente libre, pero también confusa, no controla su cuerpo. Todas estas sensaciones se representan con luces intermitentes que se encienden y se apagan rápidamente para que podamos entender mejor como se siente. Pero, de repente colapsa, “la respiración empieza a detenerse”. Ahora las luces no se suceden de forma rápida sino todo lo contrario, lentamente, como si fuera a cámara lenta porque, como dice ella, “todo se para” al igual que en el ejemplo 2 cuando Rue explica que “su cerebro va despacio.” Cuando vuelve a poder respirar las luces se suceden a una velocidad normal y dice que ella solo quería “dos segundos en la nada”, y ¿qué se suele relacionar con “la nada”? La respuesta es el espacio. La nada = el espacio.

EJEMPLO 5:

En este instante el espectador descubre que Rue ha estado en rehabilitación durante el verano. Está con el resto de las compañeras cogidas de la mano y colocadas en círculo, por eso el movimiento de la cámara es un travelling circular. Es decir, se aprovecha la figura geométrica del círculo para grabar este momento de forma circular. Esto proporciona una sensación inmersiva y más íntima, al fin y al cabo, ir a desintoxicación es algo muy personal. 

Con este mismo significado se vuelve a usar un travelling circular cuando Rue vuelve a casa y se encuentra con su hermana. La cámara gira alrededor de las dos hermanas que están compartiendo un momento especial e íntimo, ya que hace mucho tiempo que no se ven.

 

Pero, este movimiento de cámara circular también se puede usar para provocar inestabilidad y mareo, por eso se usa cuando Rue explica que los efectos secundarios de la Niacina son “irritación en la piel, MAREOS, vómitos, taquicardias e incluso la muerte”. 

Una vez más se volverá a usar este movimiento circular para dar sensación de inestabilidad cuando Rue consume en la fiesta de McKay. Precisamente se vuelve a drogar en el baño, en frente de un ESPEJO, al igual que en el ejemplo 3 explicado anteriormente.

EJEMPLO 6:

Para terminar, hay que destacar los usos de las panorámicas horizontales en barrido. Esto son panorámicas muy rápidas de izquierda a derecha o viceversa. Se utilizan en varias ocasiones y con diferentes usos. Una de ellas cuando Rue está contando los cuadrados de las luces y su madre extrañada le pide que la mire. Rue empieza a llorar y se ve que la reacción de la madre es mirar al padre con asombro y confusión. En este caso, el barrido sirve para comparar o contrastar los dos personajes, del padre y de la madre. 

Más adelante se vuelve a usar este movimiento físico de la cámara cuando Rue mira a Nate. Se usa el barrido para atraer la mirada hacia la siguiente imagen porque, en este caso, el espectador ve por primera a Nate. Es decir, así se dirige la atención del espectador hacia la presentación de este nuevo personaje.

 Esto también ocurre cuando se presenta a la madre de Lexi y a Cassie.

CONCLUSIÓN:

En definitiva, se puede concluir diciendo que cada movimiento de cámara tiene un significado diferente. La elección de un movimiento u otro se piensa de forma premeditada antes de grabar la escena ya que va a servir para resaltar un concepto determinado de la trama. Como se ha visto en este análisis un mismo movimiento puede tener una significación diferente dependiendo de qué emociones y sensaciones se quieran transmitir o dependiendo de detalle o personaje se quiera destacar. Estos son alguno de los usos, pero puede variar dependiendo de cómo se establezcan en cada serie, película o contenido audiovisual.

CISNE NEGRO

 CISNE NEGRO: LA EVOLUCIÓN DEL PERSONAJE MEDIANTE ELEMENTOS NARRATIVOS

Black Swan es la historia de Nina, una bailarina neoyorquina, que sueña con obtener el papel principal de la obra El Lago de los Cisnes. Tiene que interpretar dos personajes en uno, el de Cisne Blanco y el de Cisne Negro. Esto va a suponer una gran transformación y una evolución del arco del personaje que tiene lugar en el la película mediante distintos recursos como el vestuario, los espejos y el uso cromático del blanco y del negro.

ANÁLISIS

La estructura de esta película coincide con la división narrativa de planteamiento, nudo y desenlace, por lo que el análisis se explicará en 3 partes.

1.      1. Nina siendo el Cisne Blanco, siendo ella misma:

-  En el inicio del largometraje, el espectador ve a Nina bailando, interpretando al Cisne Blanco. Este es el papel idóneo para ella porque se adapta a la perfección a su forma de ser: dulce, frágil, bella, temerosa, niña, etc. Tal y como dice Thomas Leroy, el director de la escuela, El Lago de los Cisnes está protagonizado por “una chica virginal, pura y dulce atrapada en el cuerpo de un cisne”. Esto es Nina. 

-        Hay elementos que indican que Nina sigue siendo una niña:

En los primeros minutos su madre, Erica, le prepara el desayuno: un huevo y medio pomelo. Sorprendida por la belleza del pomelo, Nina exclama: “Es tan rosáceo, que bonito”.

Al fin y al cabo, el rosa es el color identificatorio de la niñez, de pequeñas las niñas suelen preferir este color. Nina al principio de la película solo se viste con prendas de este color, como el mallot, el abrigo o la toalla.

Su madre le da el pomelo. Precisamente ella es la persona que le impide crecer y madurar, no quiere que se convierta en una mujer. Siempre le está controlando y ella misma trata a su hija como si fuera una niña pequeña, le llama “su dulce niña”. Siempre está tan controlada que parece hasta su propia sombra.

Su habitación es otro escenario fundamental. En este PG se ve el cuarto de Nina. Todo es rosa y está decorado de una manera muy aniñada, lleno de peluches. Sus comportamientos son infantiles, como cuando se pone a llorar desconsoladamente delante de su madre porque la audición no le ha ido del todo bien. En vez de reconocer sus errores, le echa la culpa a Lily por haberla interrumpido.

DATO CURIOSO: a lo largo del filme hay referencias visuales relacionadas con el cisne en diferentes localizaciones, como en el despacho de Leroy o en el baño y cuarto de Nina. Incluso en el tatuaje de Lily compuesto por unas alas.

Algunas incluso indican que Nina se va a transformar, como en esta escena donde aparece una estatua con alas.

1.         2.  El proceso de transformación de Nina hacia Cisne Negro:

Para convertirse en Cisne Negro Nina necesita dejar de lado la técnica y ser más pasional y emocional, incluso en uno de los ensayos, su profesora le dice que se relaje. Tiene que seducir y dejarse llevar. De hecho, no se suelta el pelo, no se desmelena, hasta que empieza a ensayar la parte de Cisne Negro. Esto contrasta con el resto de la película, ya que siempre lo lleva recogido en un moño o coleta.

Morder a Leroy mientras este le besa espontáneamente va a ser el primer paso de su metamorfosis. La actitud hacia su madre va a ir cambiando, ya no es tan complaciente con ella, por ejemplo, se niega a enseñarle las heridas y acepta la invitación de salir a tomar una copa con Lily. Esta transformación va continuando. Su habitación está llena de peluches rosas y blancos a excepción de uno, un cisne negro, que se puede ver por primera vez cuando Nina se masturba. 

Además, el papel de la pared de su cuarto está diseñado con dibujos de mariposas, haciendo referencia a la metamorfosis que va a sufrir.

Durante este proceso Nina empieza a usar ropa de tonos más oscuros, más grisáceos. Es decir, una paleta cromática de colores contraria a la que usaría el Cisne Blanco. Y es que, la película juega mucho con la dualidad del blanco y el negro, puesto que son antagónicos, al igual que la personalidad del Cisne Blanco y del Cisne Negro.

De hecho, el personaje de Lily es el antagónico, el opuesto a Nina, su rival. Por eso siempre va a vestir de negro. Lily se convierte en todo lo que Nina desea ser. Ella es el Cisne Negro perfecto, “es imprecisa, pero sin esfuerzo. No está fingiendo”. Nina aspira a ser como ella, aunque sea completamente distinta a su personalidad. 

    Incluso en estas escenas se puede ver el contraste entre ambas, vestidas completamente diferente. Nina de blanco y Lily de negro:

En la discoteca la paleta cromática es diferente. No se usan blancos ni negros sino un conjunto de colores: rojo, azul, verde, etc.

Además, se suceden unos planos que hacen más evidente el proceso de transformación. Con estas imágenes parece que Lily y Nina se están juntando, mimetizando en una sola persona, consiguiendo lo que Leroy quería, que una sola bailarina representase al Cisne Negro y al Blanco a la vez.

Sus transformaciones físicas continúan en su cuerpo, en su piel, en sus manos.

1.       3. El final de esta transformación. Nina se convierte en el Cisne Negro:

Cuando Nina y Lily regresan de la fiesta, el espectador ve a Nina dejando el abrigo rosa, se está desprendiendo en cierta medida de todas las actitudes de niña buena (Cisne Blanco), y se observa que va vestida con un top de color negro (Cisne Negro).

A continuación, reflejada en un espejo, se ve a Nina, pero cuando esta se mueve se puede ver qué en realidad su figura estaba junto a la de Lily. Sus dos figuras se mezclan hasta tal punto que parece una. Luego, Lily se mueve y se ve cómo en realidad eran dos personas.

 

Incluso cuando están manteniendo relaciones, por un momento, Nina ve su cara en vez de la de Lily dando a entender que ya “ha adquirido” la personalidad antagónica de esta, representando ahora los dos cisnes. En esta escena parece que Lily le está transmitiendo las cualidades del Cisne Negro a Nina. Posteriormente, el espectador descubre que todo esto estaba en la imaginación de Nina. No se habían acostado.

Aunque, en esta escena no es la primera vez que Nina empieza a ver su cara en la de otras personas. Esto pasa previamente en el metro o cuando camina por la ciudad. Además, volverá a pasar en escenas posteriores.

 

Luego, Nina tira la caja de música que su madre le ponía para dormir y todos sus peluches, es decir, se está desprendiendo de los elementos, en este caso materiales, que representaban a su antigua “yo”.

El Cisne Negro poco a poco se va “apoderando” de Nina. Esto se puede ver en las escenas en las que se ve reflejada en el espejo, y es que los espejos son los elementos por los que el espectador va viendo la deformación de la identidad de Nina. Por ello son tan abundantes a lo largo de toda la película.

 

“Los espejos jugarán un papel importante en la película, presentando las distorsiones que aprecia Nina, las confusiones y los momentos más críticos de la película; pensemos que los espejos han sido vistos como una potente carga simbólica, según Lacan, nos reconocemos en el espejo, en el otro. Ambos cisnes viven en Nina y serán incapaces de lograr un equilibrio, una armonía.”

A partir de este momento la transformación física hacia Cisne Negro se hace cada vez más evidente. Además, su madre le pregunta “¿qué ha sido de mi dulce niña?” a lo que Nina responde “se ha ido”.

Nina va a experimentar un estado de confusión cada vez mayor. Va a seguir viendo su cara por todas partes, incluso en la pelea final ve su cara en vez de la de Lily. En el forcejeo entre ambas chicas se rompe el espejo del camerino y uno de los cristales va a ser el arma que Nina usa para matar a Lily. En este momento se produce la muerte absoluta del Cisne Blanco, ya no hay rastro de él. La paradoja que se crea en esta escena es muy sorprendente ya que el arma homicida es un cristal del espejo, elemento que tiene un gran simbolismo a lo largo de toda la película.

El haber producido este acto hace que la oscuridad, la maldad, en definitiva, el Cisne Negro se apodere Nina. En el siguiente acto Nina sufre la transformación física total en Cisne Negro, por eso hay un plano en el que se ve a Nina y la sombra de dos cisnes. El Cisne Negro ya está integrado totalmente en ella.

Cuando termina la escena y Nina vuelve al camerino utiliza una toalla rosa para tapar la sangre de Lily.

 

Pero, a continuación, descubre que verdaderamente no ha matado a Lily, sino que se ha clavado el cristal a sí misma. De esta forma el dolor que estaba sintiendo ha sido el que le ha hecho hacer una actuación redonda, tal y como ella dice “lo he sentido. Perfecto. Ha sido perfecto.”

CONCLUSIÓN

Tras todo esto, se puede concluir afirmando que la evolución de este personaje es una trasformación asombrosa. A lo largo de la película el espectador es partícipe de la evolución del arco del personaje, que en este caso se ha conseguido con el uso de diferentes recursos. Mediante el vestuario, la escenografía, el maquillaje, el sonido y los efectos especiales. La combinación de todos es esencial para que Nina logre convertirse en el Cisne Negro que tanto ansiaba.

POSITIONS de ARIANA GRANDE

¿Tiene algún significado POLÍTICO el videoclip POSITIONS de ARIANA GRANDE?

El nuevo tema de Ariana Grande, Positions, ofrece dos líneas argumentales diferentes. Una es la historia contada en el videoclip y la otra se encuentra en la propia letra de la canción, es por ello, que el título, “Positions”, puede tener varios significados. La artista ya ha utilizado este método en otras ocasiones como en el videoclip de Thank you, next. La narrativa de la letra incide en la parte más personal de la artista; en sus relaciones sentimentales y la del videoclip tiene un significado más político y social. Este análisis se centrará en la parte del video musical.

ANÁLISIS

El videoclip de Positions se inicia con un plano secuencia en el que la cámara va sorteando las palabras que van apareciendo. En este caso son “Ariana Grande”, “Positions” y “Directed by Dave Meyers”. 

La cámara se adentra a lo que parece ser una sala de la Casa Blanca por una ventana acristalada. 

No es la primera vez que el director Dave Meyers trabaja con la artista. Ya lo hicieron en God is a Woman y en No tears left to Cry, precisamente este último videoclip empieza de la misma forma que Positions: plano secuencia, sortear palabras y entrada de la cámara por una ventana hasta llegar a Ariana.

A continuación, se suceden algunos aspectos más políticos. En primer lugar, el espectador ve una edificación que es fácilmente identificable como la Casa Blanca. 

Luego, se observa un plano general de una de las salas del edificio. En un plano bastante simétrico, Ariana ocupa la posición central, la de presidenta, y a su alrededor se encuentran varias mujeres exponiendo diferentes posturas e ideas. Le están asesorando y dando su opinión al respecto. 

Son mujeres de diferente etnia, físico y aspecto, sugiriendo que cada una, además de representar a un grupo femenino diferente, también representan diferentes posiciones (Positions) o posturas políticas e ideológicas. Es decir, se recalca la diversidad y se insiste en la ocupación de mujeres en altos cargos políticos, derivando así en la parte más social, el empoderamiento femenino.

Algunas de las mujeres que aparecen en esta escena son gente con las que Ariana a coescrito canciones o amigas suyas como Victoria Monet o Tayla Parks.

Cuando Ariana dice la frase: “Chico, estoy intentando quedar con tu mama un domingo” la cámara enfoca a la propia madre de la artista. 

DATO CURIOSO: el cuadro de la sala es una imagen del propio perro de la artista, Toulouse.

A continuación, se pasa al estribillo. Cada vez que se dice “Cambiando las posiciones por ti” se hace un movimiento de cámara semicircular en el que Ariana cambia de posición. Pasa de estar en la Casa Blanca a estar en otro escenario, como en la cocina, en el dormitorio o en el despacho, de ahí la frase “Cocinando en la cocina y estando en el dormitorio”. Este movimiento es muy parecido a las transiciones del video de Rain on me.

Luego se cambia de escenario. Ahora Ariana está en la cocina y destaca el champán rosa de la encimera. Esto es un guiño a la propia canción de la artista Pink Champagne. Además, está cocinando pasta haciendo un guiño a sus raíces italianas.

Aunque en la letra ella dice que sería capaz de sacrificar cosas por un hombre se ve a Ariana sola en distintos escenarios. En ningún momento aparece con ningún chico, aunque en la canción claramente se está hablando de uno. Esto también ocurre en otras escenas, por ejemplo, ella es la que cocina y la que saca a pasear a sus perros, es decir, no necesita a nadie más. Ella es independiente y es capaz de hacer todo esto por ella misma a la vez que dirige un país, de ahí la frase “No necesito a nadie más”.

También se ve a la artista firmando unos documentos en varias salas. En cada una de ellas hay un reloj que marca la hora 6:30. Esto es lo que se conoce como un Easter Egg (“es un modo de llamarle a mensajes ocultos puestos a propósito por desarrolladores, programadores o creativos”), ya que hace referencia a que su sexto (6) álbum se va a estrenar el día treinta (30) de noviembre. Además, una de las canciones de su nuevo álbum tiene este título. En una de estas localizaciones la artista mira por la ventana, observando los fuegos artificiales, identificatorio de la tradición estadounidense del 4 de julio.

Seguimos. Una vez más la cámara entra por una ventana y se ve a Ariana.

En la parte final del videoclip Ariana, subida a una escalera, está dando medallas a unas mujeres. Con este gesto, la artista también está haciendo referencia a la situación actual de USA, al presentar a unas trabajadoras del USPS, que es el servicio postal de Estados Unidos. Les está entregando la Medalla de la Libertad, "que es un reconocimiento a aquellas personas que han realizado contribuciones excepcionales a la seguridad o a los intereses nacionales de los Estados Unidos". 

Con esto la artista puede estar haciendo una declaración en contra de Donald Trump, ya que "este se negó a financiar adecuadamente el servicio postal de USA con la intención de sabotear la votación por correo de las próximas elecciones presidenciales que tendrán lugar el próximo 3 de noviembre".

Para finalizar, también destaca el vestuario de la artista porque parece estar inspirado en los looks de Jackie Kennedy, la ex-primera dama de los Estados Unidos.

CONCLUSIÓN

En definitiva, puede decirse que Positions tiene diversos significados, ya pueden ser políticos, sociales o personales, que se van desarrollando tanto en la letra de la canción como en el video musical. En este último se puede ver a Ariana “cambiando de positions, es decir, de posiciones en varias ocasiones. Pasa de ser la presidenta de USA, a ser un ama de casa ocupándose de otras labores” como cocinar o ocuparse de sus mascotas. Además de contar con cameos, mensajes ocultos y con objetos comunes de la cultura estadounidense, se quiere resaltar otros elementos como el empoderamiento femenino o la independencia de la mujer. todo ello, se ha lanzado en un momento que está siendo determinante para los estadounidenses debido a la incertidumbre de las próximas elecciones.